100 L. Por Danilo Esteves Robalino
Quito. 09.92. Célis, argentino de 63 años, estuvo en Guayaquil
para exponer individualmente en la Galería Expresiones; luego de
esta muestra, expone en la misma galería junto a Noe, Polesello,
y Gómez Centurión, la cual se mantendrá hasta el 14 de
septiembre.
Con Noé (1933) y Polesello (1939), tienen una larga trayectoria
en las artes, cada uno es considerado un maestro en su tierra y
su presencia internacional es significativa: sus obras reposan en
museos y galerías de París, Nueva York, Italia, Venezuela, etc.
Un veloz recorrido por la evolución de Pérez Célis en su arte,
nos remite al siguiente esquema cronológico, peligroso para su
producción, para su ser, ilustrativo para el público; en el 57
transita entre un neo figurativismo y el abstraccionismo
americanista en la que busca sus raíces hasta el 65; desde aquí
hasta el 76 hace una pintura entre abstracta geométrica, informal
y figurativa, que se compara con ilustraciones de alguna odisea
en el espacio, y desde el 77 adopta un lenguaje con el que, con
pocas variaciones, se mantendrá hasta la presente fecha. Lenguaje
abstracto en el que chorrea la pintura bien diluída para luego
trabajar la materia tratándola con insistencia, con gruesos
empastes, siempre recurriendo al contraste, a producir cortes con
planos geométricos: triángulos, rectángulos, círculos, vértices,
etc, una pintura rica de intenciones universales, de
proyecciones.
Qué es lo importante en Pérez Célis, aparte de premios,
participación en bienales internacionales, obras en algunos
países del orbe, etc.?
Lo épico, según auto nombra Pérez Célis.
El ha representado las fuerzas humanas, síquicas, naturales en
toda su complejidad, su contradicción, su esfuerzo por ascender,
sus recaídas, es una especie de historia de la humanidad del
siglo XX: una apoteósica narración en la que destaca el gran
formato y el movimiento, la composición, el equilibrio de
fuerzas, junto al color y la materia, con las que se ensaña en
conseguir un ajustado contraste entre luz y sombra, casi exacto
si lo pudiésemos medir en proporciones matemáticas; materias
cuyas texturas, relieves, apoyan, exaltan el conjunto.
LUIS FELIPE NOE
"Para mi la enseñanza debe de partir de la idea de que se aprende
a hablar hablando. De la misma manera se aprende a pintar
pintando. A un chico no se le prohibe hablar hasta que aprende
bien los verbos. El chico habla, después aprende las
conjugaciones y toma conciencia de ellas. En la pintura es
exactamente lo mismo. Esto quiere decir que no creo en la
postergación de la necesidad expresiva. El lenguaje plástico está
compuesto de línea, espacio y color, y la conciencia del lenguaje
se debe adquirir en totalidad", son algunas ideas del artista
argentino Luis Felipe Noé, sobre la enseñanza, publicadas en
Tiempo Argentino, Buenos Aires, julio de 19 5.
Este es otro de los argentinos que exhiben en Galería
Expresiones, nacido en 1933, mantuvo desde sus primeros años una
actitud de permanente cuestionamiento a todo lo que significaba
orden, limitación academicista, imposición en el arte, en sus
primeras obras evidencia su criterio de total libertad de
creación, superando las limitaciones de lo figurativo y de lo
abstracto, recurre para ello a todo lo que su imaginación y la
reflexión le permite utilizar para desbordar los criterios
rígidos sobre arte.
Desde sus inicios no le interesa ubicarse en algún estilo pues
considera que las etiquetas son como epitafios y que su obra está
muy viva, dice "creo que soy tan abstracto como figurativo y que
cualquiera de esta etiquetas (neo-expresionista, neo-figurativo,
post-informalista, o quizás más propiamente de la "nueva imagen
del hombre") no puede caberle a mi obra, pues en definitiva todas
ellas significan lo mismo: lenguaje vitalista para una pintura
antropomórfica".
Teorizador, o antes que esto, un artista que entendió que el arte
es una forma de relacionarse con la naturaleza y la sociedad, y
esa relación implica un proceso de elaboración teórica. Luis
Felipe Noé entiende el mundo como un caos, y ese caos no puede
aparecer en la obra como orden: "Pedirle orden al arte de una
sociedad que no la tiene! Sin embargo la unidad es
intocable...¿por qué? ¿Por qué nadie se contenta con que la
unidad de una obra no sea otra que la intrínseca a sí misma, la
que hace que una obra sea una y no dos? ¿Qué es esa unidad más
esencial que la que surge del simple hecho de que una cosa es una
cosa? ¿Qué es eso que se pide al reclamarle a una obra unidad?
Hay una etapa de su vida artística en la que las tensiones del
mundo las hace extensiva a la tela y divide, corta el plano
horizontal o verticalmente, luego introduce un cuadro dentro de
otro, o se sale del plano y pasa a lo que se podría llamar
instalaciones en la que participan varios bastidores (con tela o
sin ella) de diferente formato y dispuestos en un desorden con el
que rompe la idea de equilibrio.
ROGELIO POLESELLO
Polesello es el tercero de los artistas argentinos que exponen en
esta galería. Nacido en julio del 39, su obra se constituye en un
justo equilibrio en esta exposición, junto con la de Noé y Pérez
Celis.
Rogelio Polesello desde sus primeras obras se vincula con el arte
constructivista y cinético y su exploración del prisma como
imagen, referente de signos y marco conceptual. "En otras
palabras, la pintura y escultura de Polesello toma la imagen del
prisma, y además funciona estéticamente dividiendo y
recomponiendo nuestra aprehensión de los mecanismos de la visión
de la misma forma en que un prisma divide y recompone nuestra
aprehensión de la luz", afirma de su obra, Ricardo Pau Llosa,
crítico y poeta cubano, que colabora con revistas especializadas
de arte y académicas.
Polesello es un amante de la geometría, su vinculación con el
color, la luz y los efectos vibratorios que producen en quien
percibe su obra. Sus esculturas son una propuesta de reflexión
estética sobre la imagen en relación con la obra y estos
elementos anotados, trabajadas sobre acrílicos, permiten además
incluir al espectador e involucrarse en ella, mediante la
reproducción de la imagen del observante.
Los colores de la luz se desconponen, viven entre las figuras
geométricas, enlazándose, sobreponiéndose en un juego de planos
que producen nuevas sensaciones, vibrando o descansando en un
alegre movimiento.
Polesello coincide en su arte con la posición de los grandes
artistas de todas las épocas: una búsqueda e investigación
constantes y la elaboración de su lenguaje.
Quito. 09.92. Célis, argentino de 63 años, estuvo en Guayaquil
para exponer individualmente en la Galería Expresiones; luego de
esta muestra, expone en la misma galería junto a Noe, Polesello,
y Gómez Centurión, la cual se mantendrá hasta el 14 de
septiembre.
Con Noé (1933) y Polesello (1939), tienen una larga trayectoria
en las artes, cada uno es considerado un maestro en su tierra y
su presencia internacional es significativa: sus obras reposan en
museos y galerías de París, Nueva York, Italia, Venezuela, etc.
Un veloz recorrido por la evolución de Pérez Célis en su arte,
nos remite al siguiente esquema cronológico, peligroso para su
producción, para su ser, ilustrativo para el público; en el 57
transita entre un neo figurativismo y el abstraccionismo
americanista en la que busca sus raíces hasta el 65; desde aquí
hasta el 76 hace una pintura entre abstracta geométrica, informal
y figurativa, que se compara con ilustraciones de alguna odisea
en el espacio, y desde el 77 adopta un lenguaje con el que, con
pocas variaciones, se mantendrá hasta la presente fecha. Lenguaje
abstracto en el que chorrea la pintura bien diluída para luego
trabajar la materia tratándola con insistencia, con gruesos
empastes, siempre recurriendo al contraste, a producir cortes con
planos geométricos: triángulos, rectángulos, círculos, vértices,
etc, una pintura rica de intenciones universales, de
proyecciones.
Qué es lo importante en Pérez Célis, aparte de premios,
participación en bienales internacionales, obras en algunos
países del orbe, etc.?
Lo épico, según auto nombra Pérez Célis.
El ha representado las fuerzas humanas, síquicas, naturales en
toda su complejidad, su contradicción, su esfuerzo por ascender,
sus recaídas, es una especie de historia de la humanidad del
siglo XX: una apoteósica narración en la que destaca el gran
formato y el movimiento, la composición, el equilibrio de
fuerzas, junto al color y la materia, con las que se ensaña en
conseguir un ajustado contraste entre luz y sombra, casi exacto
si lo pudiésemos medir en proporciones matemáticas; materias
cuyas texturas, relieves, apoyan, exaltan el conjunto.
LUIS FELIPE NOE
"Para mi la enseñanza debe de partir de la idea de que se aprende
a hablar hablando. De la misma manera se aprende a pintar
pintando. A un chico no se le prohibe hablar hasta que aprende
bien los verbos. El chico habla, después aprende las
conjugaciones y toma conciencia de ellas. En la pintura es
exactamente lo mismo. Esto quiere decir que no creo en la
postergación de la necesidad expresiva. El lenguaje plástico está
compuesto de línea, espacio y color, y la conciencia del lenguaje
se debe adquirir en totalidad", son algunas ideas del artista
argentino Luis Felipe Noé, sobre la enseñanza, publicadas en
Tiempo Argentino, Buenos Aires, julio de 19 5.
Este es otro de los argentinos que exhiben en Galería
Expresiones, nacido en 1933, mantuvo desde sus primeros años una
actitud de permanente cuestionamiento a todo lo que significaba
orden, limitación academicista, imposición en el arte, en sus
primeras obras evidencia su criterio de total libertad de
creación, superando las limitaciones de lo figurativo y de lo
abstracto, recurre para ello a todo lo que su imaginación y la
reflexión le permite utilizar para desbordar los criterios
rígidos sobre arte.
Desde sus inicios no le interesa ubicarse en algún estilo pues
considera que las etiquetas son como epitafios y que su obra está
muy viva, dice "creo que soy tan abstracto como figurativo y que
cualquiera de esta etiquetas (neo-expresionista, neo-figurativo,
post-informalista, o quizás más propiamente de la "nueva imagen
del hombre") no puede caberle a mi obra, pues en definitiva todas
ellas significan lo mismo: lenguaje vitalista para una pintura
antropomórfica".
Teorizador, o antes que esto, un artista que entendió que el arte
es una forma de relacionarse con la naturaleza y la sociedad, y
esa relación implica un proceso de elaboración teórica. Luis
Felipe Noé entiende el mundo como un caos, y ese caos no puede
aparecer en la obra como orden: "Pedirle orden al arte de una
sociedad que no la tiene! Sin embargo la unidad es
intocable...¿por qué? ¿Por qué nadie se contenta con que la
unidad de una obra no sea otra que la intrínseca a sí misma, la
que hace que una obra sea una y no dos? ¿Qué es esa unidad más
esencial que la que surge del simple hecho de que una cosa es una
cosa? ¿Qué es eso que se pide al reclamarle a una obra unidad?
Hay una etapa de su vida artística en la que las tensiones del
mundo las hace extensiva a la tela y divide, corta el plano
horizontal o verticalmente, luego introduce un cuadro dentro de
otro, o se sale del plano y pasa a lo que se podría llamar
instalaciones en la que participan varios bastidores (con tela o
sin ella) de diferente formato y dispuestos en un desorden con el
que rompe la idea de equilibrio.
ROGELIO POLESELLO
Polesello es el tercero de los artistas argentinos que exponen en
esta galería. Nacido en julio del 39, su obra se constituye en un
justo equilibrio en esta exposición, junto con la de Noé y Pérez
Celis.
Rogelio Polesello desde sus primeras obras se vincula con el arte
constructivista y cinético y su exploración del prisma como
imagen, referente de signos y marco conceptual. "En otras
palabras, la pintura y escultura de Polesello toma la imagen del
prisma, y además funciona estéticamente dividiendo y
recomponiendo nuestra aprehensión de los mecanismos de la visión
de la misma forma en que un prisma divide y recompone nuestra
aprehensión de la luz", afirma de su obra, Ricardo Pau Llosa,
crítico y poeta cubano, que colabora con revistas especializadas
de arte y académicas.
Polesello es un amante de la geometría, su vinculación con el
color, la luz y los efectos vibratorios que producen en quien
percibe su obra. Sus esculturas son una propuesta de reflexión
estética sobre la imagen en relación con la obra y estos
elementos anotados, trabajadas sobre acrílicos, permiten además
incluir al espectador e involucrarse en ella, mediante la
reproducción de la imagen del observante.
Los colores de la luz se desconponen, viven entre las figuras
geométricas, enlazándose, sobreponiéndose en un juego de planos
que producen nuevas sensaciones, vibrando o descansando en un
alegre movimiento.
Polesello coincide en su arte con la posición de los grandes
artistas de todas las épocas: una búsqueda e investigación
constantes y la elaboración de su lenguaje.
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